グラミー賞

Mar 29, 2023

BMG提供

インタビュー

シンガー兼ギタリストのデイヴ・デイヴィスとともに、キンクスの最新リリースを旅しましょう。デイヴ・デイヴィスは、「I'm Not Like Everybody Else」から「Wonderboy」まで、彼のお気に入りのディープ カットの背後にあるストーリーを詳しく説明します。

「私たちは人間として日々変化するので、意見や感情も同様に変化します」とデイブ・デイビスは穏やかな笑顔で言います。 「音楽は絵画のようなものです。壁に掛けると、さまざまなことをあなたに関連付け続けます。」

デイヴィスが生きてきた多くの音楽人生を考えると、彼はその進化する意味の感覚をよく知っています。 1963 年に兄のレイと伝説的な英国のロック バンド、キンクスを共同創設して以来、デイヴィスは歌を通して自分の魂と個人の歴史を隅々まで明らかにしてきました。 最近リリースされた『The Journey, Part 1』（キンクスのヒット曲、B面曲、お気に入り曲を集めた2つのキャリアにわたるコンピレーションのうちの最初のもの）のリリースにより、デイヴィスはこれまで表現してきた記憶や感情の新たな側面を発見する機会がさらに増えた。数十年。

「音楽や芸術がなかったら、私たちはどうなっていたか想像もできません」と彼は言う。 世界中の無数のファンが、その悲しい可能性を心配する必要がないことにデイヴィスに感謝しています。

デイヴィスはGRAMMY.comに、もっと愛されるべき『The Journey, Part 1』のお気に入りの曲のいくつか、両親や兄弟の好きな音楽の影響、そしてキンクスのディスコグラフィーから得た教訓について語った。

レイは常に多作でしたが、あのステージは特に多作でした。 私たちは常にビジュアルライターでした。 音楽はとても視覚的です。 それは一種の家族の事でもあります。 数年前には『Think Visual』というアルバムもありました。

エディ・コクランを聴いていた初期の頃を思い出しても、それは非常に視覚的な音楽、動き、そして言葉です。 それはあなたをその時の精神的な次元に本当に置くことができます。 レイはその点では天才的で、ダイナーのメニューを再利用するようなこともありましたが、当時起こっていたことについて書きました。 （笑）すべてが素晴らしかったです。

私がいつも好きな曲は「デッドエンドストリート」です。 それが私たち家族の起源だといつも感じています。 それは私にとって常にとても重要なことです。

レイと私は明らかに自分たちの家族の歴史や家族にとても愛着を持っています。 多くのインスピレーションは、家族や家族に関係のある人々から得られます。 家族や出来事を通して、たくさんの思い出が流れてきます。 私たちはカントリー ミュージック、母と父は 30 年代から 40 年代の音楽が好きで、妹たちはショー ミュージックや映画音楽、たとえばダンス バンド ミュージックの「オクラホマ」が好きでした。 レイと私は、たくさんの音楽の影響を受けて成長できてとても幸運でした。

あの曲は、私たちが人間としてどこから来たのかを表現しています。 自分が他の人と同じだと思ったことは一度もありませんでした。 レイはそれが私にとって重要な曲になるだろうといつも思っていました。 この作品はキンクスの人間性について多くを語っている。 キンクスは、アーティストとして、また人間として、私たちがやってきたことがいつも少し違っていたことにいつも気づいていました。 私はその曲をコンピレーション全体の推薦として使用したいと思います。

私はいつも「ワンダーボーイ」について非常に見落とされている曲として話します。 それは人々が認識しているよりもはるかに深く、より多くの意味を持っています。 時々私たちは、何かを手に入れよう、何かをしようと一生懸命に努力しますが、おそらく一番良いのは、私たちの顔をまっすぐに見つめることです。

[音楽]は、自分の知らないことを表現する素晴らしい手段になることもあります。 それが「ワンダーボーイ」がほのめかしていることです。もしかしたら、私たちが探しているものは目の前にあるかもしれません…それはすべて今起こっています。 そんなに頑張る必要はありません。 人生で何をしなければならないかを考え出すために、自分を狂わせる必要はありません。 時々、喜びや驚き、珍しい考えのために人々が私たちの生活に登場します。 お互いに励まし合い、他の人を助けることが重要です。

私は、「私たちは一体何をしているのだろう？」と思った時期を経験していました。 私はいつもパーティーに行ったり遊んだりしていましたが、それは私たちがバンドとして何をしていたのかを振り返るきっかけになりました。 それは私にサーカスの俳優やピエロのことを思い出させました。

重要なのは、私たちが普通の労働者階級の家族だったということだと思います。 レイは、人生を少し違った方法で観察する優れた能力を持っていました。 家族全員が本当にそうでした。 大家族だった私たちは幼い頃、音楽が日常の出来事をポジティブな方法で表現する素晴らしい手段であることを学びました。

あれは本当に素晴らしいロッカーで、ロックンロールのロマンスについての曲です。 あれをライブでやるのが大好きなんです。

リマスタリングは本当に素晴らしいです。 彼らはコンピレーション用のリマスターに関して本当に良い仕事をしたと思う。 レイはリマスタリングの大部分を監督するような形でしたが、私たち全員が異なる重要な段階を経験していました。 そしてBMGはとても役に立ちました。 このようなレコード会社と仕事ができるのは素晴らしいことだ。 それは少し異なります。

「Days」は、キンクスにとってバンドとしての進化を通して常に非常に重要な曲であり続けています。 あの曲は非常に多くの条件を満たしており、私たちが演奏するたびに、いつも心に響く音楽です。 この曲は、私たち全員が内面の変化、感情の変化、ビジネスの変化、人生の変化、特にレイを経験しているときに発表されました。 そしてその歌は常に、ある種の喪失の記憶だけでなく、理解の記憶にも役立ちます。

おそらく私たちは物事を実行する前にもっと考えるべきかもしれません。 私たちは感情を理解するのにいつも時間がかかるわけではありません。 私たちは感情的な考えの深さを理解していないため、感情的な考えを捨てることができません。 しかし、時間が経つにつれて、私たちは歌、絵、人を通してさらに多くのことを知ることができます。 本当に良い音楽は何度も聴いて思い出します。

あの曲は本当に幼少期の愛、つまり私の初恋、それは学校でのことがテーマになっています。 私たちは15歳で、別居していましたが、両親は会わせてくれませんでした。 それについては私の自伝ですべて読むことができます（笑）。 「Mindless Child of Motherhood」は、彼女がどのようにして赤ちゃんを産んだのか、そして私たちはまともな家族になれなかったのかなど、重く感情的な内容を歌ったものです。

まるで詩のようだ。 場合によっては、数年後までそれが何なのか完全に理解できないこともあります。 それがさらに面白くなります。 アートは、自分が何を言いたいのか正確に分からない場合でも、自分の気持ちを表現する方法を提供します。 それはあなたの心の奥深くにあり、後になって初めてわかることもあります。 もし私たちの誰もそのような表現手段を持っていなかったら、私たちは本当に発狂するでしょう。 それが初期の、私たちが子供の頃のロックンロールの素晴らしいところです。ロックンロールは自分自身を表現する素晴らしい手段でした。 若いときは、自分が何を表現しているのか常にわかっているわけではありませんが、踊ったり、足を踏み鳴らしたりするだけで十分な場合もあります。 私たちは、ほんの少ししか言わないだけで、多くのものを得ることができることがあります。

生ける伝説：キンクスのデイブ・デイヴィス、21世紀の挫折、70代になって落ち着いてツイッターで大騒ぎ

写真：ピーター・ワフジッヒ/ゲッティイメージズ

リスト

最近リリースされたアルバム『But Here We Are』で、デイヴ・グロールと仲間たちは、痛みを伴う喪失と猛烈な立ち直りの両方について、心を掴む告白をしている。 11 枚目のアルバムを記念して、フー ファイターズの最も重要なトラック 10 曲を再確認します。

現代ロックの最も重要な主力の 1 つであるフー・ファイターズは、ほとんど神話のような歴史を誇っています。 ニルヴァーナの壊滅的な終焉後の1994年にデイヴ・グロールのワンマン・バンドとして始まったこのバンドは、30年に及ぶカタログを持つ独創的なバンドとなった。

このグループは現在、グラミー賞のベスト ロック アルバム部門で最多受賞記録を保持しており、2000 年 (There Is Nothing Left to Lose)、2003 年 (One By One)、2007 年 (Echoes、Silence、Patience & Grace) で受賞しています。 2012年（Wasting Light）と2022年（真夜中の医療）。 2023年のグラミー賞では、『メディシン・アット・ミッドナイト』が最優秀ロック・パフォーマンス賞（「メイキング・ア・ファイアー」）と最優秀ロック・ソング賞（「ウェイティング・オン・ア・ウォー」）も受賞した。

最近リリースされた11枚目のスタジオアルバム『But Here We Are』は、ドラマー兼ボーカリストのテイラー・ホーキンスが昨年亡くなった後のファセットの最初のプロジェクトである。 1997年にフー・ファイターズに加入し、グループ内でクリエイティブな原動力となるホーキンスは、世界中のミュージシャンやファンから追悼された。 ロンドンとロサンゼルスでホーキンス家とフーが主催したトリビュートコンサートは、彼の功績に優雅に敬意を表した。

グロールと仲間たちは、「But Here We Are」で集団的な悲しみを何とか乗り越えた。 このプロジェクトは、痛みを伴う喪失と猛烈な立ち直りの両方について、心をつかむ告白として機能します。 彼らの最新の取り組みを讃えて、GRAMMY.com ではフー・ファイターズの最も重要なトラック 10 曲をリストアップしています。

カート・コバーンの死から1年後にリリースされたフー・ファイターズのデビュー・アルバムは期待に満ちていた。 「カートを失ったことは衝撃的で、彼の死後は音楽が怖かった」と彼は2014年の『60ミニッツ』のエピソードでアンダーソン・クーパーに語った。

グロールはこのレコードは悲しみのはけ口にすぎないと主張したが、これが彼の輝かしいキャリアの始まりとなった。 プロジェクトからの最後のサッカリンシングル「ビッグ・ミー」は、ドラマーからフロントマンに転身した彼が、間違いなくヒットするキャッチーな曲を作る才能を持っていることを証明した。

このトラックの不気味な性質は、グロールがアルバムについてあまり深く考えていなかったことの結果だが、その本質的にシンプルなアプローチは、メントスのコマーシャルをパロディ化したことで有名なこの曲のビデオにまで波及し、素晴らしいものの始まりとなった。

フー・ファイターズのこれまでで最も爽快な瞬間のひとつは、ラブソングの形で登場する。 バンドの2作目からの2枚目のシングルである「Everlong」は、その穏やかでメロディックなコードでリスナーを引き込み、うだるようなパーカッションと胸を締め付ける叙情で注意を引きつけ続けます。

「Everlong」は、ロマンチックなパートナーと非常に調和しており、その関係の結末が完全に壊滅的であることについての曲です。 「降りてきて、私と一緒に無駄に過ごしてください」とグロールは静かに歌います。 「ダウン・ウィズ・ミー/ゆっくり、あなたが望んでいたように/私は頭がおかしくなってしまいました/頭から離れて、彼女は歌いました。」 彼は1998年の「ザ・ハワード・スターン・ショー」で初めてこの曲をアコースティックで演奏し、グロールはオーツ・ソング・フェスト7908でのパフォーマンス中に「この曲に全く新しい生まれ変わらせた」と語った。

「Breakout」はバンドの 3 枚目のアルバム『There Is Nothing Left To Lose』の両方に収録されており、グロールのグランジ ルーツを伝える熱狂的なパンク エネルギーに満ちています。 批評家たちはこのアルバムを賞賛し、フースのよりメロディックなアンセムへの顕著な進歩を指摘したが、この素早いヒット曲は、20年以上前に受けた誇大宣伝に値するものであり続けている。

この曲はジム・キャリー主演の 2000 年のコメディ映画『ミー・マイセルフ・アンド・アイリーン』にも登場し、数名のスターがミュージック ビデオに出演しています。 「There Is Nothing Left To Lose」はラジオのヒット曲「Learn To Fly」にも拍車をかけ、2000 年にグラミー賞最優秀短編ミュージックビデオ賞を受賞しました。

フー・ファイターズの4枚目のスタジオ・アルバムは、バンドの歴史の中で激動の時代を画した。 個人的な問題とは別に、グロールはちょうどクイーンズ・オブ・ザ・ストーン・エイジの「ソングス・フォー・ザ・デフ」のドラムをレコーディングしたところであり、その後のツアーのためにグループに加わった。

フーの運命は不明のままだったが、2002年のコーチェラでの凱旋パフォーマンスはメンバーに自分たちの将来について新たな展望を与えた。 「『タイムズ・ライク・ゼー』は基本的に、バンドがその2、3ヶ月間失踪し、自分が完全に自分ではなくなってしまったと感じることについて書いたものだ」とグロールは2011年のグループのドキュメンタリー『Back and Forth』で述べている。 「私はただ思ったんだ、『分かった、私はバンドでいることをまだ終わっていない。彼らがそうしているかどうかは分からないが、私はまだ終わっていない』。」

その歌詞の単純さと、恐ろしいほどの誠実さ（「こんな時こそ、あなたは再び生きることを学ぶ/こんな時だからこそ、あなたは与え、また与える」）により、この曲は愛、連帯感、そして希望を体現するものとなった。

「もう一つ告白しなければならないことがある/私はあなたの愚か者だ」とデイヴ・グロールは「ベスト・オブ・ユー」のリベットのようなオープニングで高らかに吠えている。 彼の宣言の後には、「あなたは抵抗するために生まれたのか、それとも虐待されるために生まれたのか？」という実存的な命題が続きます。

『In Your Honor』のリード・シングルは感情が豊かで、フーのフロントマンは元気よく反抗的で、彼の言葉を聞いている人たちにも同じようになるよう励ましている。 「ベスト・オブ・ユー」は、グロールが2004年の民主党大統領選でジョン・ケリーの選挙運動に何度か出演した後に書かれたため、その感情は政治的なものであった。

「これは政治的な記録ではないが、私が見たものは私にインスピレーションを与えた」と彼は2005年にローリングストーン誌に語った。「それは自分を縛るものからの脱却についてのものだ」 「Best of You」は、米国でプラチナステータスに達した唯一の曲です。

グループの最もチャートで最高の成績を収めた曲の 1 つは、2007 年の『Echoes, Silence, Patience & Grace』に収録された「The Pretender」でした。 この曲でのグロールのソングライティングは不気味なほどのもので、導入部の荘厳なコードが次の歌詞に取って代わられる。「骸骨を送り込んで/彼らの骨が再び行進していくように歌って/彼らはあなたを深く埋めなければならない/あなたが守る秘密は常に用意されている。 」

よりヘヴィなリフと脈動するパーカッションが、まさに聴覚体験をもたらします。 「The Pretender」の完璧なペースのクレッシェンドは、適度なサスペンス感を与え、フーのディスコグラフィーに欠かせないものとなっています。

2012 年、Wasting Light は最優秀ロック アルバムを含む 4 つのグラミー賞を受賞しました。 「ホワイト リムジン」がベスト ハード ロック/メタル パフォーマンス賞を受賞しましたが、それには十分な理由がありました。

フー ファイターズの 7 枚目のスタジオ アルバムからの 2 番目のシングルは、原初の叫び声と旋風のリズムが詰まった猛烈なナンバーです。 「ホワイト・リムジン」はこれまでの彼らの最も騒々しい曲の一つであり、グループは最高のモーターヘッドの印象を与えている（ミュージック・ビデオへのレミー・キルミスターの出演は最終的な承認の証となっている）。 このグループは、ヘヴィメタルトラックでの攻撃性を最大限に高めることに意図的であり、「White Limo」を彼らの膨大なカタログの中で稲妻に相当する音にした。

2017 年の『コンクリート アンド ゴールド』は、ホイールを再定義するものではなく、ホイールを完璧にするものでした。 グループの 9 枚目のスタジオ アルバムは、これ以上ないくらいロックン ロールです。

「Sunday Rain」にはポール・マッカートニー、「Concrete & Gold」にはボーイズIIメンズのショーン・ストックマン、「The Sky Is a Neighborhood」と「La Dee Da」にはザ・キルズのアリソン・モシャートなど、記憶に残るゲスト出演が多数あった。

アルバムのベストトラック「Make It Right」は、クレジットされていないが、音響的に不快なジャスティン・ティンバーレイクのカメオ出演をフィーチャーしている。 それでも、グロールはレッド・ツェッペリンに敬意を表し、よりヘヴィな領域へのコラボレーションの冒険は報われた。 ロック界の伝説的人物の影響が、不規則な挑発や砕け散るリフの形で「Make It Right」全体ににじみ出ています。 ティンバーレイクは追加のボーカルでバックグラウンドに忍び込み、フーの公式を決して変更しないように注意しています。

フー・ファイターズの10枚目のアルバム『メディスン・アット・ミッドナイト』は、ロッカーズにとって爽やかな調子への回帰となった。

グロールの娘の会話をきっかけに作られた「Waiting on a War」は、アメリカの不気味な未来に対するグループの思索を具体化した。 4分にわたってグロールは「空が落ちるのを待っている」と述べているが、彼の憂鬱な思いは最終的に、アコースティック・ギターのコードを奏でる切なげな歌から、ゴロゴロと喉をフルに鳴らした猛烈なアウトロへと変化する。 フーの大胆なアプローチにより、彼らは 2022 年のグラミー賞最優秀ロック ソング賞を受賞しました。

But Here We Are からの感情豊かな最初のシングル「Rescued」の力は、落胆の感情を綴った歌詞だけでなく、グロールの表現にも依存しています。

「僕らは皆、ある程度は自由だ／光の下で踊ることも」と彼は歌う。 「私はただ救われるのを待っています/私を生き返らせてください。」 彼の声は疲れと活力の間で弱まり、渦巻くギターと空気のような蓄積がバンドとリスナーの両方にカタルシスをもたらします。 「Rescued」の脆弱性は、「The Color and The Shape」や「In Your Honor」などのアルバムで聴かれる興味深い自己認識を導きます。 しかし、この曲はフーにとって新たな章を表しており、彼らの痛みに真正面から立ち向かう曲でもある。

フー・ファイターズは不滅の音楽界の巨人だ。 しかし、テイラー・ホーキンスの死は、彼らも人間であることを示している。

写真：ケイティ・クローネ

インタビュー

リジー・マカルパインがツアーの米国行程を終える中、「シーリングス」シンガーは、自身の曲がバイラルになり、「ザ・トゥナイト・ショー・スターリング・ジミー・ファロン」に出演し、ソールドアウトのツアーのヘッドライナーを務め、大手レコードレーベルと契約したことを振り返る。 。

リジー・マカルパインは熟練したストーリーテラーであり、ポップからインディーフォークに至るまで、率直で共感できるソングライティングで知られています。 「ソングライターとして成長し、進化するにつれて、自分の弱さをもう少し輝かせることができるようになり、自分の考えていることを正確に言うことをあまり恐れなくなりました」と彼女はロサンゼルスから語った。 Zoom通話で。

どうやら、リスナーは彼女の誠実さを高く評価しているようです。

マカルパインは、2020 年にファースト アルバム『ギブ・ミー・ア・ミニッツ』をリリースして以来、何億人ものリスナーを熱心なファンに変えてきました。セカンド アルバム「ファイブ セカンズ フラット」を発表してから、彼女の人気は急上昇したようです。 彼女のヒット曲「ceilings」は、Billboard Hot 100 チャートで最高 54 位を記録し、Spotify では 2 億 3,000 万回のストリーミングに達し、ゴールド認定を受け、TikTok チャレンジにインスピレーションを与え、その結果、この曲のスピードアップ バージョンをフィーチャーした 742,000 以上の投稿が行われました。 。 彼女は最近「ザ・トゥナイト・ショー・スターリング・ジミー・ファロン」に出演し、RCAレコードと契約した。 彼女のツアーの第 2 行目はすぐに完売しました。

「私たち全員が経験する経験は普遍的ですが、その瞬間にいると孤独を感じることがあります」とフィラデルフィア生まれの23歳のミュージシャンは言います。 「私の曲を聴くことで、人々が孤独を感じなくなり、健全な感情を表現できるようになることを願っています。」

マカルパインは、柔らかくも安定した声で、私たちのほとんどが最も快適に感じない場所、つまり不確実性、矛盾、発見の場所から歌います。それは、「あなたが嫌い​​なわけではありません、それが痛いのが嫌いです」のような歌詞に反映されています。 「正直になろうとしていましたが、今は嘘をつくべきだったと思います。」 楽器的には、5 秒フラットに電子機能、ストリングス、ギター、ピアノ、ドラム、ホーンが重ねられています。 しかし、マカルパインはスタイルに固定されることを望んでいません。「私のアルバムは、その時の私を反映しているだけです。」

9月11日に27公演の国際ツアーを終えた後、マカルパインはスタジオに戻って3枚目のアルバムの制作を続けるほか、舞台やスクリーンでの俳優業への復帰など、新たな目標に向かって努力する予定だ（「文字通り撮るつもりだ）」とても懐かしいです」）、ビジュアルとファン体験を通じて彼女の次のアルバムを中心とした世界を構築し、家を購入しました。 しかしその前に、彼女は最近のキャリアのハイライトについて GRAMMY.com で語った。

確かに驚きました。 私の曲にはバイラルな瞬間があるとは思っていません。 それが起こるなら、それは起こるでしょう、そして私はそれを追いかけたり、それを実現させようとしたりするつもりはありません。 また、これはシングルではなく、アルバムに収録されていただけだったので、この曲がこれほど人々の共感を呼ぶとはまったく予想していませんでした。

自分の身に起こったことだけを書こうと思っています。 どうやら、それは普遍的なもののようです。誰もが経験していると思われることを私も経験し、それを言葉にしました。 私はいつも自分の気持ちについて考えています。 私はいつも日記をつけています。 感情を理解できるまで書かなければなりません。 それは私にとってもソングライティングの一部です。 理解できるまでは理解できないことを書いています。 そして、多くの人がそれにつながっているように感じます。

私は、これまでの人生で誰も経験したことのないようなクレイジーな経験をしているわけではありません。 私は、自分が経験したこれらのこと、時には言葉にするのが難しい感情、そしてあまり多くの人が話したことのない方法について話す方法を見つける傾向があります。 人々は現実と誠実さにつながると思います。

（TikTokの「天井」トレンドに気づくことは）私にとっては徐々にでした。 最初にどの動画を見たかは覚えていないのですが、スピードアップしたサウンドが TikTok で少し話題になっているのを見て、それから動画を見始めて、そこから雪だるま式に増えていきました。 期待していなかったんだ。 ワイルドだった。

深夜のトークショーの世界は以前にもやったことはありましたが、トークショーの経験は少なくとも1年ぶりでした。 とてもたのしかった。 どこでも演奏する前は緊張します。 誰が見ているかは関係ありません。 でも、全然緊張しませんでした。 ジミーはとても優しかったです。 私たちはその一部を行い、それを撮影しました。 そして最後に、彼はこう言いました。「ミックスを聞きたい場合はお知らせください。気に入っていただけるか確認したいのです。」 現場にいて、セットにいて、実際の観客の前で曲を演奏するのは本当に楽しかったです。

それがより広く認識されるターニングポイントになったとは言えません。 変化が始まった正確な瞬間を特定することはできませんが、それは常に緩やかな上り坂のような成長であり、それが私が望んでいることです。 私は一夜にして成功するものを追いかけているわけではありません。 長く続くキャリアが欲しいです。 それで、私はそれを徐々に、そして意図を持って構築しようとしています。 それはその道の一歩でした。

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最初、私はすべてのチケットはボットか詐欺師か何かによって購入されたものであり、そんなに早く完売するはずがない、と完全に確信していました。 最初のショーでステージに上がって、客席にいる実際の人々を見たときに初めて確信しました。 超現実的でした。

特にこれは5秒フラットツアーの第2レグなので、最初のツアーとは異なるものにしたかったので、2回目に来る人が同じものを得るわけではありません。 また、生産面でもレベルアップしたいと考えていました。なぜなら、それを行う手段が今あるからです。 全部揃っています。 うちには壁とソファがあります。 うちは照明ありますよ。 基本的にはリビングルームのような感じで、それが私のデザインであり、家庭的で親密な雰囲気にしたいと本当に思っていました。それが私の雰囲気だからです。 私は家具やランプを操作し、セット内を動き回ります。 確か、前回のツアーではステージに敷物が敷かれていたと思いますが、それだけでした。 しかし、私たちに余裕があったのはそれだけでした。 いよいよ本番という感じになってきました。

私にとってツアーには挑戦的な部分がたくさんあります。 私のカップはすでにかなり空になっています。私には社交的なエネルギーがあまりありません。 旅行をすることでより多くのことが得られ、その後、パフォーマンスでさらに多くが得られるので、毎日、一日の終わりには何も残りません。 ステージに立つと、そのようなパフォーマンスモードに入るのが簡単な場合があります。 でもその後は心も体も大変です。

大変なこともありますが、楽しい瞬間ももちろんあります。 私は自分のチームをとても愛しています。 私のバンドとクルーはとても親切で、一緒にいるととても楽しいです。 これまでのツアーで私の一番好きな瞬間は、彼らと一緒に過ごした瞬間です。

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今回のツアーはさらにレベルアップしたものであり、メジャーレーベルに行くのに最適な時期でもあると感じています。 5秒フラットが出る直前まで考えていたけど、もう少し粘って欲しかった。 あのアルバムはメジャーに行くのにふさわしいアルバムとは思えなかった。 それは腸の問題でした。 そして今、私は何かの瀬戸際に立たされているように感じており、RCAと契約するというこの決断は間違いなく私をそこに向かって後押ししています。

私は自分の人生やキャリアにおいて多くのことをやり、達成したいと思っています。 これはこれらすべての目標に向けた一歩です。 私はその一歩を踏み出す準備ができていました。

3枚目のレコードを制作中で、長い時間がかかりましたが、ようやく完成に向かいました。 アルバムを作るときはいつも違う人間になるので、私のアルバムはすべて違ったサウンドになります。 今の私は、エリオット・スミス・アンド・ザ・スミスやそのようなタイプのアーティストのような70年代にインスパイアされたサウンドに傾いています。 このアルバムの大きなインスピレーションはアンディ・シャウフです。彼の音楽は素晴らしいです。 まさに 70 年代のサウンドのような、生の、より生々しい、あまり調整されていない、完璧なサウンドです。 次のアルバムはもっと本格的なものにしたいと思っています。 これまでの私のサウンドが本物に聞こえなかったわけではありませんが、私はよりクリーンで洗練されていないサウンドに傾いています。

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写真: Le3ay

インタビュー

3 年間の制作期間を経て、マディソン ビアはセカンド アルバムからの最初のシングル「ホーム トゥ アナザー ワン」で次の章をスタートさせました。 歌手は「Silence Between Songs」を制作するまでの「解放」の旅を詳しく語ります。

今日のバイラルな時代では、インターネット上の人物を見つけるのが必ずしも難しいわけではありません。 しかし、長寿のインターネットパーソナリティを見つけるのはそれほど簡単ではありません。そしてマディソンビアは、彼女が一時的なバイラルスター以上のものであることを証明しました。

ビアは 2012 年に YouTube にカバー ソングを投稿し始め、わずか 13 歳でポップの才能と神妙なボーカルを披露しました。同年にジャスティン ビーバーがアイランド レコードと契約した後、彼女は一時的にティーン ポップ スターの軌道に乗りましたが、最初に彼女の存在を知りました。 2018年のデビューEP『As She Pleases』では、真の音楽的な声が表現されています。 そして、デビューアルバム『2021』の『Life Support』で完全にコントロールを握ると、全17曲を共作、共同プロデュースし、マディソン・ビアというアーティストに完全に定着した。

現在、セカンドアルバム『Silence Between Songs』（エピック・レコードより9月15日発売）のリリースを目前に控えているビールは、自身の世界に足を踏み入れて以来披露してきた、ひるむことのない脆弱性と感染力のあるメロディーのミックスをさらに拡張することを目指している。 彼女は最初に、ラナ・デル・レイとテーム・インパラをミックスした軽快なトラック「ホーム・トゥ・アナザー・ワン」でその味を見せた。この2つは彼女の最大のインスピレーションの源であり、前者はビールにアルバムについてのフィードバックも与えた。

デル・レイの承認は、ビールにとって『Silence Between Songs』が特別である多くの理由の 1 つであり、また彼女が再びすべての曲を共作し、共同プロデュースしたという事実も含まれます。 しかし、おそらくこのプロジェクトの最も重要な側面は、彼女がほぼ 3 年間のプロセスを通じて見つけた自由です。

「アーティストとして、時々、私たちが休んだら、誰かがあなたの代わりをするだろう、誰かがすぐ後ろから来るだろう、と言われることがあります」とビールは言います。 「私はもう購読しません。それは本当に自由なことだと思います。」

ビールはGRAMMY.comに対し、自分の私生活にもっと根ざしたことが新しい音楽にどのようなインスピレーションを与えたか、そしてなぜオンラインでの名声にもかかわらず、「実は時々インターネットを非常に恐れている」のかについて語った。

「Home to Another One」のリリースとアルバムの発表おめでとうございます。 物事がどのように認識されるか全く分からないので、神経をすり減らす作業だと思います。 ついにすべてを世に出し始めたのはどんな感じですか?

「Home to Another One」は実際には半年前に作ったばかりなので、アルバムに提出する前に最後に追加したものの 1 つでした。他の曲のように待つのはそれほど苦痛ではありませんでした。 でも、アルバムタイトルの発表は、私にとって実は最も強烈だったと思う。 3年間ずっとその上に座っていたので、それを外に出すというのはかなり現実離れした気分です。 しかし、人々の反応は非常にポジティブで、人々は興奮しているので、とても感謝しています。

私にとってはちょっと新しいサウンドです。 私の他の曲とは違うエネルギーを持っています。 しかし、私のインタビューを聞いたり、私のツアーを見たりする本当のファンは、私が聴いているものの音楽カタログが非常に刺激的であるか、または異なっていることを知っています。 好きなジャンルはひとつだけではありません。 彼らは私があらゆる種類の音楽を愛していることを知っているので、彼らを驚かせるようなことは何もできません。

アルバムのタイトル、そしてタイトル全般はいつも難しいものです。 「Silence Between Songs」をどうやって思いついたのか教えてください。

この種のアイデアに関する詩や本を初めて見たとき、私は本当に若かったです。 それは誰かがいなくて寂しいという内容で、「次の曲が始まるまでの間、とても会いたい」と歌っていました。

それはとてもクールなコンセプトだといつも思っていて、デビューアルバムでもそのアイデアを使って何かをやりたいと思っていました。 でも、2020年にアルバムを作り始めたとき、「Silence Between Songs」という曲は最初に作った曲の1つだったので、最初に考えていたタイトルでした。 私たちはそれに基づいて取り組み、3 年後の今、それは私にとって適切な意味を持つようになりました。 このアルバムを作り始めてから、私はとても成長しました。このアルバムは、ノイズを消すことでどのように成長できるかということをテーマにしています。

それは、あなたが 3 年間このタイトルにこだわり続け、それを超えるものは何もなかったという証拠です。 どのようにして落ち着いて騒音を消すことができましたか?

それ以来、このタイトルは私にとって絶対に譲れないものでした。 しかしツアーを終えて、緊張を解いて落ち着くのは難しい。 実際、前回のツアーから戻って現実に戻るのは大変でした。 あなたは本当に忙しいので、毎日ドーパミンが分泌されています。 落ち着くのは少し大変でしたが、その瞬間に私は自分自身について最も学ぶことができます。

今は一人の時間とオフタイムを優先しています。 体を休めて、いつも外に出て何かをしなければならないというプレッシャーを感じません。 週末中家にいてベッドでリラックスしたいなら、そうします。 私はダウンタイムと休憩時間を理解し、罪悪感を感じないよう努めています。

アーティストとして、時々、私たちが休憩したら誰かがあなたの代わりをするだろう、誰かがあなたのすぐ後ろから来るだろうと言われることがあります。 私はもう購読していませんが、それは本当に自由なことだと思います。

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だからこそ、続けなければいけないと感じたのでしょうか？

以前は、一緒に仕事をする人かオンラインの人かが問題だったように思います。 この概念は、常にあなたよりも多くのことを喜んで行い、あらゆることを行うつもりであり、そうでない場合は置き換えられるでしょう。 それは私が長い間抱いていた本当の恐怖でした。 でも、もうそんなことはさせません。 私はレーベルから降ろされ、代わりに入れられたので、その恐怖は本物で、長い間それをとても怖がっていました。 しかし、私はもうそうではありません。

自分自身を明らかにしすぎたり、少なすぎたりすることを心配したことがありますか? アーティストとしては、あまりにも多くのことを共有しすぎているように見えるかもしれません。 それでも小さすぎると、完全に正直ではありません。 あなたにとってのバランスはどこにありますか?そしてどのようにバランスをとりましたか?

ソーシャルメディアの今日、私たちの多くは共感を得て好感を持たれなければならないというプレッシャーを抱えているので、議論するのは間違いなく興味深いです。 でも、繰り返しになりますが、私は自分自身にそんなプレッシャーをかけていません。なぜなら、私は毎日朝起きて、こうした個人的なことについてビデオを作る必要性を感じるような人間ではないと思っているからです。 気が向いたらやりますが、好かれるためだけに無理してやるのは本物ではないと思います。 なので、気が向いたときに投稿するようにしています。 私のファンは私を知っていて、私のファンは私を愛していると思います。 私の音楽を世の中に広めて受け入れてもらうために、一般の人々の心をつかむ必要はありません。 やりたくないことを自分に強制することは絶対にしたくない。

「ホーム・トゥ・アナザー・ワン」はブレイクダウンのある憂鬱なアンセムだ。 あの曲の起源は何だったのか気になります。

そうですね、「私のポップサウンドとは何だろう？」と考えました。 これまでにアップビートな曲を作ったとき、それらは私にとってそれほど本物ではないか、車に乗って聴きたくないような曲だったかもしれません。 そこで私は、「ポップで楽しいけれど、それでも私らしく、しかも売れずに、アップビートに分類される曲を作るためには何ができるだろうか？」と考えました。

これを聞いたとき、ボーカル的にはラナ・デル・レイをとても思い出しました。 そう言ってもいいでしょうか？

絶対に。 私は彼女の大ファンで、自分でも特定できない形で彼女が私の中に溶け込んでいると感じています。

共同プロデューサーとして音楽を書いているとき、自分の曲がスタイル的にどのような方向に向かうのか最初から知っていますか? あなたのプロセスは何ですか？

私は全曲で共同プロデューサーを務めていますが、これも私の素晴らしい取り組みです。 私は素晴らしいプロデューサー、リロイ・クランピットと仕事ができて幸運です。彼は私の意見を喜んで聞き、実際に熱心に、すべてを共同プロデュースすることを望んでいます。

それは本当に計算されていないと思います。 本当にただ流れていくんです。 この作品を作っているときに部屋にカメラがなかったのはちょっと残念でした。なぜなら、私は皆さんが聞こえるすべての音に真剣に関わっていたからです。 私とリロイの関係は本当に特別です。私が「うーん」という声を出すと、彼は私の意味を理解してくれるからです。 すべてが綿密に計画されていますが、「こういうタイプのシンセが欲しい」というものではありません。 曲を流していきます。 進めながら構築していきます。

多くのアーティストが楽曲の共作者としてクレジットされていますが、共同プロデューサーとしてクレジットされているアーティストは多くありません。 あなた自身のトラックに共同プロデューサーとしてクレジットされることがなぜ重要でしたか?

同じプロデューサーと 5 年以上仕事をしてきたので、自分の意見を言うことができるし、それは奇妙ではないと感じています。 リロイは、私が共同プロデューサーとしてクレジットされるべきだと思うと親切にも言ってくれた人でした。 彼は、「あなたも私と同じくらいのことをしてくれました。」と言いました。 すべてのアイデアは私と私たちから生まれ、すべてを一緒に行います。

あなたのデビューアルバムは数年前にリリースされ、2020年にこのアルバムに取り組み始めました。なぜこれほど長いプロセスが必要なのでしょうか？

そんなはずはなかったのです。 時間はあっという間に過ぎてしまうので、間違いなく何度もスタジオに戻ってやり直したり編集したりしました。 ヴァイナルのテストプレスを何度も行ったが、何度も完成したと思ってまたやり直した。

わかりませんが、私はこんな感じのような気がします。 私は決して満足しすぎることはありません。 でも、今の私の目標は、このアルバムがリリースされた後、来年かそこら以内にアルバムをリリースできるように努めることです。 もっと頻繁に音楽をドロップし、すべての音楽の間に 3 年の間隔をあけないようにしていきたいと思っています。

Instagram だけでも 3,400 万人のフォロワーがおり、インターネット上で非常に大きな影響力を持っています。 そのようなフォローは贈り物ですか、それとも重荷ですか？ 携帯電話を手に取り、何百万人もの視聴者に向けて何かを投稿できるとわかっているのに、頭の中でどのように対処すればよいでしょうか?

12年間、着実に花を咲かせてきたので、それは私にとって一朝一夕に実現したことではありません。 数年前と今では、私の取り組み方には大きな違いがあります。 私は、常に仕事をしたり、毎日投稿したりすることを自分に強制しません。

実は私は時々インターネットを非常に怖がります。 その動きは本当に恐ろしいものであり、私たちはお互いにヒューマンエラーを犯す余地を与えないと思います。 私がオンラインで意見を述べたり、何かを言いたい場合、それについて人々が何を言うかを気にしないわけではありませんが、私の意図はわかっています。 私はすべての人にアピールして喜ばせるつもりは決してありませんが、話したり共有したいときは、それが本物であり、良いところから来ていることを知っています。

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写真: マシュー 5 世提供

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新進気鋭のジャズポップシンガー、マシュー V が、最新アルバム『エニシング ゴーズ』でカヴァーした数多くのクラシック ヒット曲の 1 つであるレイ チャールズの「ジョージア オン マイ マインド」にスピンを加えています。

60年以上前、音楽伝説のレイ・チャールズは、ホーギー・カーマイケルのオリジナル曲の忘れられないカバーでジョージア州を私たちの心に留めておき、当然ながらビルボード・チャートのトップとなり、1961年のグラミー賞で2つの金蓄音機を獲得しました。

「私は言った、ジョージア、ああ、ジョージア/平和なんて見つからない/ただ古くて甘い歌だけ/ジョージアが頭から離れない」とチャールズはこの曲のコーラスで口ずさむ。 「他の腕が私に手を差し伸べる/他の目は優しく微笑む/それでも平和な夢の中で、私には分かる/道はあなたに戻ってくる。」

ReImagined のこのエピソードでは、新進気鋭のポップシンガー、マシュー V が「ジョージア・オン・マイ・マインド」の解釈を披露します。 マシュー 5 世はチャールズのオリジナル録音に忠実であり続けていますが、柔らかな声のトーンと機敏な走りでこの曲を自分のものにしています。

「ジョージア・オン・マイ・マインド」は、マシュー・Vが最新プロジェクト「Anything Goes」でカヴァーした多くの曲の1つで、エタ・ジェイムズの「アット・ラスト」やバーブラ・ストライサンドの「ドント・レイン・オン・マイ・パレード」など、他のクラシックをジャズ風にアレンジした曲も収録されている。 。」 彼は、8月6日にカナダのバンクーバーにあるフランキーズ・ジャズ・クラブで一夜限りのホームタウン・ショーを行う予定で、ジャズのスタイリングをステージに披露する予定だ。

上のビデオで再生ボタンを押して、マシュー V によるレイ チャールズの「ジョージア オン マイ マインド」のソウルフルな演奏をご覧ください。また、GRAMMY.com で ReImagined の新しいエピソードをさらにチェックしてください。

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写真: ダッティ・バニアー

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6 月 7 日から 13 日までニューヨーク市内のさまざまな劇場で開催されるトライベッカ映画祭では、短編からドキュメンタリー、伝記映画まで、20 以上のエキサイティングな音楽映画が上映されます。 フェスティバルの最もエキサイティングな上映作品のいくつかを読んでください。

毎年開催されるトライベッカ映画祭では、批評家から高く評価されたインディーズ作品、挑発的な短編映画、画期的なドキュメンタリーが目白押しで、2023 年版では音楽が多くのカテゴリーの中心となっています。

6 月 7 日から 13 日までニューヨーク市内のさまざまな劇場で開催されるトライベッカ映画祭では、あらゆるジャンルのエキサイティングな音楽映画が上映されます。 このフェスティバルでは、サブカルチャーに触れた映画や、グロリア・ゲイナー、シンディ・ローパー、カルロス・サンタナ、インディゴ・ガールズ、ビズ・マーキーについての洞察力に富んだ伝記映画と並んで、リゾのスペシャルなどの短編映画やミュージックビデオなど、音楽関連の上映が 20 本以上行われます。

長編映画には、ローファイ ヒップホップのサウンドトラックとラッパーのスワーブ サイド主演のドラマ「Lost Soulz」が含まれます。 テイラー・マックの豪華な音楽祭のコンサート映画で、22 人編成のオーケストラと多数の特別ゲストとともに 30 年間のアメリカ社会史を紹介します。 伝説的なヒップホップ映画『ワイルド スタイル』も上映され、最終的にデュオの終焉につながったミリ ヴァニリとフランク ファリアンの論争を緊迫した内容で伝えます。 注目のアーティストの中には、映画のプレミア公開後にライブパフォーマンスを行う人もいます。

映画のスレートには、チャンス・ザ・ラッパー、リン＝マヌアル・ミランダ、ヘイリー・スタインフェルド、ディプロなどの音楽スターによるトークが含まれており、全員がそれぞれの専門知識や業界の洞察を披露し、Lizzo's Special や Lunarcode の The Light などのミュージック ビデオの上映も行われます。 ミュージック ラウンジでは、Tei Shi、Frost Children、LuNika、Habibi、Sussan Deyhim によるパフォーマンスも開催されます。

フェスティバルに先立ち、GRAMMY.com は最もエキサイティングな音楽ドキュメンタリーと長編映画をいくつかまとめました。

トライベッカで世界初公開されるこのドキュメンタリーは、アリシア・キーズの女性ソングライティング・キャンプ「She Is The Music」の舞台裏に迫ります。 エミー賞受賞歴のある映画監督ベス・アーラが監督したこの映画は、有色人種の女性として音楽業界に参入する難しさを描いています。

キーズはメンターとして機能し、ライブパフォーマンスや親密な作曲セッションを通じてソングライターを指導し、同時に彼女が経験した困難についても打ち明けた。 しかし、このドキュメンタリーの中心舞台となるのは、バルバドス生まれのアヨニやアトランタ出身のダヴィオンなど、キャンプの参加者たちだ。

プレミア上映の夜には、キャンプの参加者の一部がアリシア・キーズが企画したショーに出演する予定だ。

伝説的なディスコ歌手グロリア・ゲイナーが、この新しい伝記映画で自身の人生の物語を語り、彼女の画期的な成功だけでなく、その過程での苦悩も描いています。 歴史に名を残す曲「アイ・ウィル・サバイブ」をリリースして以来、ゲイナーの人生は健康上の問題と暴力的な元夫によって蝕まれていた。 現在、76歳になった彼女は新しいゴスペルアルバムをリリースする予定で、私たちもそれに同行することになった。

グロリア・ゲイナー自身も、このドキュメンタリーの初演後に出演する予定だ。

80 年代から 90 年代にジャマイカ人がニューヨーク市に移住したとき、彼らは音楽やダンスから食べ物や言語に至るまで、文化のカタログを持ち込みました。 特に注目すべきは、ダンスホール音楽の輸入であり、このジャンルは市内で高まり、最終的には国内の他の地域や世界中に広まりました。

このドキュメンタリーでは、ショーン・ポール、シャギー、ディン・ドン、クール・ハークなど、このジャンルで最も有名な顔ぶれを通して語られるダンスホールの物語を聞くことができます。 観客は彼らの逸話とともに、これまでに見たことのないアーカイブ映像を鑑賞し、ダンスホールがどのようにしてキングストンからビッグアップルまで移動したか、そしてダンスホールが今年創立50周年を迎えるヒップホップを含む世代にどのように影響を与えてきたかを伝えるのに役立ちます。

初演に続いて、ダンスホールのレジェンドによるパフォーマンスが行われます。

この長編映画は、ヒップホップ グループに参加し、自分自身を見つけることを願ってテキサス中を旅するソル (ラッパーのスワーブ・サイドルが演じる) の物語です。 彼は実生活でもラッパーである一座を結成、プロデュースし、一緒に演奏しています。

映画の大部分は脚本に基づいていますが、キャサリン・プロッパー監督は俳優に自由と即興の余地を与えました。 ローファイ ヒップホップのサウンドトラックに合わせて、その効果はかすかな心地よさと驚きをもたらす瞬間の 1 つです。 『Lost Soulz』は、どんな形であれ自分の家を見つけ、それが何であるかを正確に知らずに夢を達成しようとするものです。

映画監督のアレクサンドリア・ボンバックは、10 代前半からインディゴ ガールズを崇拝しており、フォーク ロック デュオの解放的な音楽に惹かれる世界中のファンの一人です。

このドキュメンタリー頌歌では、メンバーのエミリー・サリアーズとエイミー・レイが、1,500万枚のレコードの販売など、数十年にわたる印象的な称賛に及ぶ成功の物語を語ります。 しかし、この作品はまた、女性蔑視で同性愛嫌悪的な音楽業界の中で女性として、レズビアンとして彼らが直面した困難、そしてそれがどのようにして彼らのより幅広い生活や仕事に浸透してきたのかも浮き彫りにしている。

アメリカの国歌はイギリスの古い歌に基づいていることをご存知ですか? このドキュメンタリーでは、ミュージシャンでプロデューサーのクリス・バウワーズとダヒが、アメリカの豊かな音楽ジャンルの組み合わせからインスピレーションを得た国歌がどのようなものかを探るためにアメリカ中を旅します。

彼らは国を横断しながら、デトロイトのモータウン、クラークスデールのブルース、ナッシュビルのカントリー ミュージック、ニューオーリンズのジャズ、タルサのネイティブ アメリカンの音楽とダンス、そしてサンフランシスコのラテン音楽を探索し、議論します。 これらすべての情報、知識、そして文化的専門知識の注入をもとに、彼らは今日のアメリカを反映することを目的とした新しい国歌の録音に着手しました。

ティエラ・ワックは、フィラデルフィアの路上でフリースタイル・ラップを披露したビデオが数千回の再生回数を記録した後、15 歳で有名になりました。 彼女がラップ界の定番となったとき、監督のクリス・モーカーベルは彼女の軌跡を記録したいと考えました。

彼は彼女のコンサートやミュージック ビデオのセットで撮影を開始し、舞台裏の旅を記録しました。 ある晩、ファンとの奇妙なやりとりをきっかけに、ティエラと彼女のチームは、少数のエリートグループによって運営されている音楽業界に関する陰謀論への無意識の道へと導かれました。 この疑似ドキュメンタリーでは、私たちはすべてを問うことを強いられます。何が真実なのか、誰がこの物語を語っているのか、何を信じるべきなのか。

テイラー・マックは並外れたマルチな可能性を秘めたアーティストであり、その広範な演劇作品には、ブルックリンのセント・アンズ・ウェアハウスで撮影された 24 時間の音楽パフォーマンスの凝縮バージョンが含まれます。 これは、1776 年から現在までのアメリカの音楽の歴史を要約する試みです。テイラー マックがショーのスターですが、他の素晴らしいパフォーマー、アーティスト、歌手、ミュージシャンなどのホストによってサポートされています。 有名な映画製作者ロブ・エプスタインとジェフリー・フリードマンが撮影したこの作品は、非常にクィアで魅力的で騒々しい豪華な祭典です。

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